« Je veux faire une musique intéressante à la première écoute comme à la centième ». C’est en substance l’idée de Brent Knopf pour la composition du premier album du projet Ramona Falls, "Intuit", paru en 2009.  
Emergence futuriste et fruit de l'émancipation artistique du jeune homme issu de Portland, Ramona Falls sonne d'entrée comme une réminiscence partielle du groupe, non moins futuriste, Menomena, avec lequel Knopf officie depuis plus de 7 ans (et bientôt sur ces pages). Il n'y donc rien de vraiment surprenant à pouvoir palper cette filiation, à se sentir aussi bien en sa compagnie, d'autant que Brent y a mis sur la table tout son coeur et toutes ses tripes pour y exprimer des émotions qu'il lui était parfois difficile de faire partager au sein de Menomena.
5 mois de travail acharnés seront nécessaires à la production de ce flot d'effervescence maîtrisé, ainsi qu'un boulot monstre de studio pour reprendre les boucles séquencées et retravailler les bandes des quelques 35 musiciens qui sont venus prêter main forte à ce cerveau insatiable et "illuminé". Et le résultat est à la mesure de nos espérances (du moins des miennes), car il n'y a finalement pas grand chose à redire sur ce disque (vous jugerez vous même). Intemporel et très intelligemment mené, "Intuit" est une sorte de condensé quasi idéal représentant à lui seul une partie non négligeable de toute la mémoire indie rock américaine. Tout y est jeté avec une parcimonie déroutante et un regain de sensibilité accrue poussant naturellement au respect de l'oeuvre, qu'on l'aime ou qu'on la rejette. Non seulement l'imbrication de tous ses éléments est parfaite tout en étant relativement unique (pour le moins très rapidement identifiable), mais en plus il n'y a pas l'extrémisme que l'on retrouve dans certains groupes qui poussent sans arrêt l'élitisme à un degré de sauvagerie tel qu'ils sont presque les seuls à en comprendre le but (je reconnais ceci-dit qu'il en faut pour tout les goût). Le but de Ramona Falls est d'abord de vous divertir dans la légèreté, pas de vous plomber le cerveau pour y fouiller à l'intérieur. Place donc aux mélodies chaudes et aux vagabondages bucoliques et enivrants (ça c'est pour dire que vous pouvez y aller les yeux fermés).
Même si Bent Knopt assure qu'il est quelqu'un de très introverti et qu'il a mis dans ce disque beaucoup d'élements contrastés relatifs à son histoire personnelle, le but était d'abord de pousser à l'interaction de nombreuses singularités, pour la plupart musiciens ou amis, afin de ne pas avoir à rester seul enfermé dans son studio. Et lorsqu'il prend la route et monte sur scène, Dear Reader le suit de près et assure le show tandis qu'il se retrouve à devoir manipuler un clavier midi bourré de boucles et de sons.
«Ca a l’air facile, et quand on réécoute on trouve ça étrange, pas orthodoxe. Quelque chose de simple va avec autre chose de tout aussi simple, pour finalement donner quelque chose de nouveau. Ma façon de créer des morceaux est d’ajouter plein d’idées, ce qui a l’air confortable à la première approche mais est également intéressant au fur et à mesure des écoutes. Ma musique préférée, je peux y entendre quelque chose de nouveau à la centième écoute».
Et croyez moi la route est longue.

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J'ai coutume de dire qu'écouter une telle oeuvre serait comme d'entreprendre un voyage initiatique entre rêve et réalité, à l'écart du monde moderne, loin du tumulte des civilisations du conscient, loin des schémas vitaux prédestinés, pour laisser place à une poésie sensorielle où le lâcher prise prendrait le dessus sur le conditionnement relatif à l'individu; un état déformant qui nous pousse à nous inclure dans le monde du vivant plutôt que dans celui de l'impalpable, celui de l'inconscient, pourtant tellement nécessaire à l'épanouissement du corps et de l'âme.
Steve Reich est de ces êtres ayant compris l'intérêt vital d'un tel acte, capable de transmettre tout cela à la fois de manière si naturelle qu'il est d'abord déroutant de s'y frotter, puis profondément agréable d'y plonger à corps perdus, le temps d'en percevoir toutes les subtilités et les messages partagés. Un Hyperboréen, un illuminé de la trempe d'un Arthur Rimbaud ou d'un Pablo Picasso qui marquera l'Histoire comme peu y seront parvenus. Il nous inclut dans un monde façonné avec un soin et une pureté hors du commun, celui de la vision d'une musique qu'il a voulue pour 18 musiciens et qu'il aura mis presque 2 ans à voir se former sous ses yeux. Le travail d'une vie, et celui d'une consécration sans aucun doute justifiée pour ce compositeur américain. En 1 mot, une "contemporanéité" indémodable et immuable pour une oeuvre majeure de l'histoire de la musique contemporaine.
Les notes parviennent à nos oreilles comme autant de vibrations élémentaires le temps de 2 pulsations (les mouvements), et de 11 sections (les modulations), sur 58 minutes d'une prestation orchestrée par l'Ensemble Modern en 1997, lui-même supervisé par le maître en personne qui leur accordera son soutien (l'oeuvre originale est parue en 1978 sur le label ECM et durait plutôt 56 minutes).

Cette musique est trop difficilement définissable pour que je m'étende sur le pourquoi du comment d'un tel monument (je vous laisse suivre ici le lien de cette toile). Beaucoup ont déjà écrit sur le sujet, mais l'essentiel réside d'abord et avant tout dans la subjectivité de chacun face à l'aura et à la force de "Music For 18 Musicians". Une force tranquille et apaisante qui pousse indéniablement à l'introspection de soi, à l'abandon serein. J'imagine d'ailleurs qu'il pourrait être facile de rentrer en transe si le disque durait plusieurs heures (cela s'est déjà fait lors de certains concerts). Car le but n'est pas écrit, et c'est bien là tout l'intérêt du travail de Steve Reich. Ce n'est qu'une trame minimaliste mais très savante fondée sur des motifs répétitifs. La forme pourra donc variée selon l'interprétation ou l'endurance des musiciens face aux partitions, certains allant jusqu'à s'échanger leurs instruments en plein concert.
Mais cette musique "hors-norme" ne se dévoile pas si facilement. Elle demandera à ce que nous l'apprivoisions et profèrera des mélodies charmeuses aux harmonies provocatrices afin que nous nous en emparions plus aisément. Son influence est grande mais certains seront trop farouches pour y répondre. D'autres, une fois touchés, ne la lâcheront plus. On l'aime ou on ne l'aime pas, la demi-mesure n'ayant pas sa place dans ce débat. Pour moi, elle est une accompagnatrice idéale lorsque l'instant se prête à notre rencontre. Un moment qu'il faut préparer et non provoquer, pour que l'osmose s'établisse (chacun y comprendra bien ce qu'il veut). Plus je l'écoute, et plus je reconnais qu'il y'a du génie dans chacune de ses phrases. C'est ce qui me fait dire qu'elle est idéale et unique en son genre, et que je l'aimerai toujours.

Par facilté technique et pour un meilleur confort d'écoute, j'ai préféré vous laisser la version publiée chez ECM. La prestation de l'Ensemble Modern est idéale pour sa qualité de son meilleure, mais sur le cd les pistes sont "marquées" et risqueraient d'entrecouper toutes les fins de sections.

Enfin, en plus d'une disponibilité évidente de votre part, cette oeuvre mérite un système audio correct avec un bon rendu acoustique.

Tout est fin prêt.

Enjoy..